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艾美雅手工绘制为主，墙壁画、油画、国画、手绘装饰画，所绘作品与周围环境溶为一体，可制作各种景色、人物、风景、山水、古建彩绘、卡通壁画等内容。容临摹与创作为一体，作品题材广泛、立意清晰、形式多样。
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敦煌壁画
敦煌壁画*括敦煌莫高窟、西千佛洞、安西榆林窟共有石窟552个，有历代壁画五万多平方米，是我国也是世界壁画最多的石窟群，内容非常丰富。 敦煌壁画是敦煌艺术的主要组成部分，规模巨大，技艺精湛。敦煌壁画的内容丰富多彩，它和别的宗教艺术一样，是描写神的形象、神的活动、神与神的关系、神与人的关系以寄托人们善良的愿望，安抚人们心灵的艺术。
因此，壁画的风格，具有与世俗绘画不同的特征。但是，任何艺术都源于现实生活，任何艺术都有它的民族传统;因而它们的形式多出于共同的艺术语言和表现技巧，具有共同的民族风格。
佛像画这种宗教艺术作品是壁画的主要部分，当中*括各种佛像及菩萨，如三世佛、七世佛、释迦、多宝佛、贤劫千佛、文殊、普贤、观音、势至，还有天龙八部等等。这些都根据说法图而描绘的。莫高窟壁画中的说法图就已经有933幅，佛像12208身。
经变画则利用绘画文学等艺术形式，通俗地表现深奥的佛教经典称之为"经变"。用绘画手法称为“经变画”;用文字讲唱手法表现则叫作“变文”。
故事画是指在北魏晚期的洞窟里具有道家思想神话题材的壁画。西魏时期249窟顶部，除中心画莲花藻井外，东西两面画阿修罗与摩尼珠，南北两面画东王公、西王母驾龙车、凤车出行。
供养人画像描绘的是信仰佛教出资建造石窟的人。他们为了表示虔诚信佛，留名后世，都在在窟内画上自己和家族、亲眷和奴婢等人的肖像。
当人们徜徉在敦煌莫高窟的艺术殿堂时，往往被它那精美、绚丽的壁画所倾倒，实际上，现存壁画的色彩与初绘时已有所不同，人物肤色等已经发生了变化。 长期从事莫高窟壁画临摹和研究的敦煌研究院美术所馆员吴荣鉴说，从目前的研究结果看，敦煌壁画变色的部分，主要是人物肤色和与其颜料成分近似的部分色彩，已经由初绘时的肉色，变成了黑色、铅灰色或褐色。
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如何学习毛笔书法
身法：身子坐正，纸在自己正中间，头稍稍向左偏一点，帖子在自己前方工具：初学者可学习楷书，楷书*工具是中锋笔，*是羊毫(建议用善琏湖笔)，因为羊毫可以练习基本功。纸可以用宣纸(水写板也行)，砚台一般的也就是罗纹砚，墨汁可以用一得阁墨汁(切记，回家后一定要掺水，不掺水的话，墨汁容易让纸变皱。)肘腕：写大楷*用悬腕，即胳膊不要碰到桌子，悬起来，与桌子平行选帖法：古代楷书四大家均可，就比如欧阳询——《九成宫》
读帖法：看一个字，仔细看，那个笔画在哪个位置，看完后在看这帖子写一遍，然后合住帖子想一想这个字，再写一遍，然后对照，找缺点先从楷书入手，因为楷书可以规范你的结构和笔画，个人建议从颜体和柳体练，欧体和赵体有一定难度。练上三四个月可以加练点行书，比如练王羲之的《兰亭序》。
练字的今本注意点你可以看网上的。练字先摹、再临，你既然要短时间提高，要求也不是很高，那就应该先练好结构，注意字的各个部位的搭配，多看看书本上人家的贴，多上网看看别人写的。从笔画开始练起，然后是练部首，最后把部首、壁画放在字里边练。写的时候不要急，慢慢写。你每次练时间长了就会觉得累，这样的感觉才会又进步!
练字你会觉得和你枯燥，可能练一段时间会产生想放弃的念头，这时要坚持。毛笔和钢笔结合着练，钢笔直接练行书就可以了。
还有就是多像那些写毛笔字写的好的人请教、取得点经，很有帮助的。要把你每周写的东西，放在一起做个比较，或者给别人看，对比一下吸收写的好的地方，*欣赏书法。
买毛笔的时候先别买贵的，买个顺手的就可以了。别买长峰笔，一般买羊毛和兔毛，或者是兼毫笔就可以了。
楷书你觉得练得工整，笔画清楚了，就可以练上行书。行书简单的说比楷书好掌握，自己临摹字帖先照猫画虎。这样慢慢就会有感觉，写字一有感觉就势如破竹了。
纠正一下,书法不仅仅是简单的毛笔文化，中国的书法是我们伟大的 国学的一部分，是我们优秀文化的一部分，书法家往往都是国学大家。然而现在的有些搞书法的人追逐名利，遍地都是书法家。学习了书法有点成绩切不可沾沾自喜要保持严谨踏实的心态，因为书法史要人静下心来做的事。 切不要简单以为书法就是写字，这其中*含了很多!多了解接触国学，也是很有帮助的。
好好学，练字买字帖*不要买现代的所谓书法家写的东西。要买人们广为推崇的古代那些大书法家写的帖，因为古人的书法是不超越的!
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书法欣赏的方法(一)
(一)书法的点画线条
南朝书家王僧虔在《笔意赞》中说：“书之妙道，神采为上，形质次之，兼之者方可绍于古人”。这里，强调以形写神，形神兼备。一般地说，“形”*括点画线条以及由此而产生的书法空间结构;“神”主要指书法的神采意味。
1、力量感 点画线条的力量感是线条美的要素之一。它是一种比喻，指点画线条在人心中唤起的力的感觉。早在汉代，蔡邕《九势》就对点画线条作出了专门的研究，指出“藏头护尾，力在字中”，“令笔心常在点画中行”，“点画势尽，力收之”。
要求点画要深藏圭角，有往必收，有始有终，便于展示力度。需要注意的是，我们强调藏头护尾，不露圭角，并不是说可以忽略中间行笔。中间行笔必须取涩势中锋，以使点画线条浑圆淳和，温而不柔，力含其中。但是，点画线条的起止并非都是深藏圭角不露锋芒的(大篆、小篆均须藏锋)。书法中往往根据需要藏露结合，尤其在行草书中，千变万化。欣赏时，既要注意起止的承接和呼应，又要注意中段是否浮滑轻薄。
2、节奏感 节奏本指音乐中音符有规律的高低、强弱、长短的变化。书法由于在创作过程中运笔用力大小以及速度快慢不同，产生了轻重、粗细、长短、大小等不同形态的有规律的交替变化，使书法的点画线条产生了节奏。汉字的笔画长短、大小不等，更加强了书法中点画线条的节奏感。一般而言，静态的书体(如篆书、隶书、楷书)节奏感较弱，动态的书体(行书、草书)节奏感较强，变化也较为丰富。
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3、立体感立体感是中锋用笔的结果。中锋写出的笔画，“映日视之，画之中心，有一缕浓墨，正当其中，至于折处，亦当中无有偏侧。”这样，点画线条才能饱满圆实，浑厚圆润。因而，中锋用笔历来很受重视。但是，我们不能发现，在书法创作中侧锋用笔也随处可见。除小篆以外，其他书体都离不开侧锋。尤其是在行草书中，侧锋作为中锋的补充和陪衬，更是随处可见。
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认识艺术的“三种偏执”
艺术史的危机主要因为西方从上世纪70年代以后，出现了各种各样的终结论。终结论就是一种危机。简单来说，危机就是乱象，或者说失去了标准。今天我们在书写艺术史时，没有办法用形式主义等过去的方法，因为所有过去的方法，*括人文主义、启蒙运动所开拓的东西全被颠覆、否定了，所以出现了艺术史的终结、绘画的终结、科学的终结等各种各样的终结论。
美国艺术期刊《十月》曾经有一个专辑，专门讨论当代艺术，哈尔·福斯特说当代艺术在今天就好像一盘散沙，没法用一个固定的标准，过去*括现在所运用的词汇、标准等都失去了效用。
关于中国当代艺术，怎么样评判艺术作品、艺术家呢?哪个艺术现象真正有价值，它的价值又到底在哪里?放在艺术史当中，到底站不站得住脚?我也经常听到这样的讨论。当代艺术会朝哪个方向发展，这是一个问题。
我总结概括了一下危机的来源。个人认为，有三个方面的问题，也就是根据二元对立出现的三种偏执，使我们目前在认识艺术时出现了危机。实际上，艺术永远不会有危机，艺术永远会发展，只要人类存在，艺术这个学科肯定会往前发展，它不存在危机。我们所说的危机主要是认识艺术时发生的危机，面临新的问题，我们没有办法去认识，这时候危机就出现了。
首先是人文主义相对于个人主义的偏执。人文主义是18世纪启蒙运动提出的，它不仅仅是西方的，同时也是普世的，是从中世纪神学中走出来的，强调人的主体性，人要自由、人要理性、人要征服外在世界等。到了后来，特别是上世纪70年代以后，人文主义受到了挑战，主要是认为它是形而上学的、抽象的人文主义，于是就要具体当下、个人经验。一旦走到这个地步，各说各话的时候，肯定艺术要走向观念，大家就要去探讨，去批评，去质询，去问这是不是艺术——其实过去不存在这个问题。
这是一个危机。从马克思主义理论的角度来说，资本主义的个人变得无个性，跟商品一样。而从民主自由派角度来看，个人主义就是至高无上的东西。但是我觉得，有没有可能不走到这两者的偏执状态，找到有一种相对比较中性的、能够对话的、能够平衡的一个东西?我觉得这是对我们提出的非常大的一个挑战。
其次是前与后的偏执，可以将它延伸为过去、传统与当下，或者过去、现在与未来等。关于这种前与后的偏执，我们可以看到，在西方，有前现代、现代、后现代，但没有办法再“后”了，所以出现了当代性。
关于前与后的问题，其实在18世纪以前并不是那么严重，不管在西方还是东方都是如此，甚至还有重古复古的观念，只不过中国在这方面更加严重一些。
最后是语言的偏执，主要体现在语词与图像的偏执。其实语词与图像的问题，比如福柯在划分两种断裂的时候，认为17、18世纪产生了一种断裂，20世纪又出现了一种断裂。他为什么分析委拉斯贵支的《宫娥》那幅画?就是因为视线在里面编织出一张网，体现了其背后的国王所控制的权力系统。他认为这张画最早体现了语词干预图像的倾向，语词介入图像。到了20世纪以后，他又觉得在马格利特这里，语词已经成为主导性力量，完全控制了图像。他所说的其实也符合西方现代以来的创作，但是问题在于，语词与图像是不是应该就是这样截然对立的，或者是不是应该像钟摆一样，最早是模仿，完全是图像、形象，后来一下子变成语词，语词和图像就像钟摆一样摇来摆去?
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